하랑갤러리

2027 하랑갤러리 작가공모

하랑갤러리 — Thu, 28 May 2026 17:25:40 +0900

2027 공모선정전 지원서.pdf

2027 공모선정전 지원서.hwp

2027 하랑갤러리 작가 공모

모집부문
시각예술 전분야

대상
국내/해외 활동중인 작가 (나이제한 없음)

자료 제출
2026년 5월 28일(목) - 7월 4일(일)

선정 작가
100% 지원 선정 작가 2명(개인전)
100% 지원 선정 작가 4명(2인전)
50% 지원 선정 작가 4명(개인전)
50% 지원 선정 작가 8명(2인전)

지원 사항
전시 기간 : 2027년 1월~12월 (2주)
전시 홍보, 홍보물 (현수막, 포스터, 엽서)

1차 : 서류 발표
7월 6일(월) 1차 선정되신 분들께만 개별 연락 드립니다.

2차 : 인터뷰
7월 중순 (일정 협의)

접수방법
지원서 1부, 포트폴리오 1부 (자유 양식, 작품 이미지 10점 내외(캡션), 전시 전경 사진 등)
홈페이지에서 지원서 다운로드 가능
이메일 접수 : galleryharang@gmail.com

접수양식
1. 이메일 제목 : 2027 하랑갤러리 작가공모_이름
2. 필수 제출 서류 : 지원서 1부, 포트폴리오 1부

문의
이메일이나 DM으로 문의 주시기 바랍니다.

주최
하랑갤러리
종로구 자하문로 38길 45, 1층 (부암동 환기미술관 앞)

'그늘 끝에 스미는 빛' 2026. 6. 2.(Tue)- 6. 14.(Sun)

하랑갤러리 — Mon, 25 May 2026 12:23:11 +0900

전시명 ㅣ 그늘 끝에 스미는 빛

작가 ㅣ 리호 LIHO

전시 기간 ㅣ 2026.6.2.(Tue)- 6.14.(Sun)

소개 ㅣ 우리는 때때로 설명할 수 없는 외로움 앞에서 오래 머문다. 누구에게도 쉽게 닿지 못한 마음은 조용히 흔들리고, 무심히 바라본 창밖의 풍경 속에서 비로소 작은 숨을 돌리게 된다. 리호 작가의 작업은 바로 그 고요한 순간에서 시작된다.

작품 속에 등장하는 검은 고양이는 숲길을 천천히 걷고, 바람이 머무는 자리에서 가만히 쉬며, 때로는 아무 말 없이 자연을 바라본다. 특별한 사건도, 과장된 감정도 없다. 그러나 그 담담한 풍경 안에는 우리가 잊고 지내던 감각들이 조용히 스며 있다. 흔들리는 나무와 흘러가는 구름, 순간마다 색을 바꾸는 하늘처럼 세상은 끊임없이 움직이고 변화하며 서로의 숨결 안에서 연결되어 있다는 사실이다.

리호 작가는 자연을 단순한 배경으로 바라보지 않는다. 자연은 작가에게 위로이자 감각의 언어이며, 외로움을 견디게 하는 조용한 존재이다. 화면 속 작은 고양이는 결국 우리 자신의 모습과도 닮아 있다. 때로는 혼자 걷고 있지만 결코 완전히 고립되지 않고, 빛과 그늘이 반복되는 시간 속에서도 끝내 삶의 온기를 발견한다.

작품 속 풍경은 마치 오래 바라보던 창밖처럼 마음 깊숙한 곳에 천천히 스며든다. 네모난 화면 안에 담긴 숲과 하늘, 그리고 작은 생명의 움직임은 빠르게 흘러가는 일상 속에서 잠시 멈추어 숨을 고르게 한다.

한낮의 빛, 21x29.7cm, Color pencils on paper, 2026

노을빛, 21x29.7cm, Color pencils on paper, 2025

달빛, 48.3x61cm, Color pencils on paper, 2026

나무, 48.3x61cm, Color pencils on paper, 2025

안심, 21x29.7cm, Color Pencils on paper, 2025

작가노트 ㅣ 작은 검정 고양이는 아주 평온하게 자연 속에 존재한다. 작은 발자국을 따라 걷거나, 함께 앉아 쉬거나, 혹은 가만 바라보는 것만으로도 좋다. 그렇게 자연 속에 가만 존재하다 보면, 그늘진 곳마저도 사소한 빛이 스민다는 것, 가만있는 듯 보이지만 아주 옅게 움직이고 있다는 것, 결국엔 결코 혼자가 아니라는 것을 안다.

어떻게 해야할지 모르겠을 외로움이 몰려오면 창밖을 가만 바라보곤 했다. 흘러가는 구름을, 흔들리는 나무를, 순식간에 변하는 노을지는 하늘을. 그럴 때면 저 깊은 산 속의 누군가가, 높은 하늘을 날고 있을 누군가가 이야기해주는 것 같았다. 모두 함께 흘러가고, 흔들리고, 변하고, 숨 쉬고 있다고. 여러번의 그늘과 빛이 지나 낮과 밤이, 한 계절이 흐르는 내내 혼자가 아니었다고.

혼자라도 결코 외롭지 않을 작은 고양이를 따라 함께 숨을 멀리 쉬어 본다. 한 때 나의 전부였던 네모난 창 밖의 풍경처럼, 네모난 그림 속 장면이 위로가 될 수 있다면 좋겠다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (매주 월요일, 6/3 지방선거일 휴관, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<Light Seeping Through the Edge of Shadows> - LIHO

At times, we find ourselves lingering in a loneliness that cannot easily be explained. A heart unable to fully reach another quietly trembles, and only while gazing absentmindedly out the window do we finally catch a small breath of relief. The work of artist LIHO begins precisely in that still and silent moment.

Within the paintings, a black cat slowly walks along forest paths, rests where the wind settles, and at times simply gazes into nature without a word. There are no dramatic events or exaggerated emotions. Yet within these calm and understated scenes, forgotten sensations gently return to us. Swaying trees, drifting clouds, and skies that change color from moment to moment remind us that the world is constantly moving, transforming, and quietly connected through the breath of all living things.

For LIHO, nature is never merely a background. It is a source of comfort, a language of feeling, and a quiet presence that helps one endure loneliness. The small cat within the paintings ultimately resembles ourselves. Though it often walks alone, it is never entirely isolated, and within the repeating cycles of light and shadow, it continues to discover the warmth of life.

The landscapes in these works slowly seep into the heart like a familiar view once watched endlessly through a window. Forests, skies, and the subtle movement of small living beings contained within each square canvas invite us to pause, breathe, and rest for a moment amid the speed of everyday life.

Gallery Harang ㅣ1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11:00 AM – 5:00 PM, Closed on Mondays and June 3rd, Free admission

Contact ㅣTel. +82-2-365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram@galleryharang

Artwork InquiriesㅣPlease DM us or contact us via email at galleryharang@gmail.com
Please apply through the Linktree link below https://linktr.ee/galleryharang

* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'빛나는 침묵의 숲' 2026. 5. 19.(Tue)- 5. 31.(Sun)

하랑갤러리 — Sat, 16 May 2026 06:10:23 +0900

전시명 ㅣ 빛나는 침묵의 숲

작가 ㅣ 강하라, 유혜리

전시 기간 ㅣ 2026.5.19.(Tue)- 5.31.(Sun)

소개 ㅣ인간의 존재 가치가 자본의 유무와 소유의 크기로 규정되는 시대, 우리는 타인과의 관계에서 끊임없이 서열화되고 스스로의 내면마저 나약하게 방치하곤 한다. 속도와 효율이 지배하는 세상 속에서 정작 중요한 소통과 본질은 단절된 채, 현대인은 저마다의 불안을 안고 살아간다.

두 작가는 캔버스라는 자신만의 깊은 숲속에서, 소리 없는 침묵의 언어로 현대인의 자화상을 그리고 고유한 본질을 깨우는 여정을 제안한다. 유혜리 작가가 소리 없는 물고기와 정원을 통해 타인과의 진정한 교감과 내면의 회복을 도모하는 '침묵의 장'을 마련한다면, 강하라 작가는 그 고요한 숲의 끝에서 잊고 지내던 본질을 일깨워 밖으로 나누고자 하는 '빛나는 각성'을 보여준다.

화창한 봄날, 이 아름다운 숲을 거닐며 우리를 가두었던 단절의 벽을 허물고, 스스로의 내면을 따뜻하게 돌이켜보는 치유의 시간이 되기를 소망한다.

잊혀진 내면의 불빛을 깨우는 모험 - 강하라

봄맞이 91x46cm ❘ Acrylic on paper ❘ 2025 ❘ 강하라

재잘재잘 짹짹짹 91x46cm ❘ Acrylic on canvas ❘ 2025 ❘ 강하라

Dear Jackson 27x27cm ❘ Acrylic on paper ❘ 2025 ❘ 강하라

강하라 작가는 우화적 서사를 통해 우리가 잃어버린 본질적 가치와 내면의 상상력을 불러낸다. 작가의 작업 세계 속에서 등장하는 사슴의 '뿔'은 타인에게 보이기 위한 장식품이나 물질적 가치로 박제된 도구가 아니다. 그것은 깊은 사유와 지혜가 축적될 때 비로소 깨어나는, 인간 내면의 고유한 능력과 기억을 상징한다. 세상의 시선과 억압 속에서 스스로 능력을 숨긴 채 그저 무감각하게 살아가는 현대인들처럼, 작품 속 사슴 역시 오랜 시간 잊고 지냈던 스스로의 빛을 발견하고자 비밀스러운 숲으로 모험을 떠난다. 각자의 리듬대로 꽃을 피우고, 열매를 맺으며, 새들의 둥지가 되어주는 다채로운 뿔의 형태들은 우리가 회복해야 할 주체적인 삶의 스펙트럼이다. 강하라가 펼쳐 보인 동화적 공간은 어둠을 밝히는 은은한 등불이 되어, 경쟁과 속도 속에서 잃어버린 감각을 다시 바라보게 하고, 스스로의 내면을 환하게 비추는 시간을 보여준다.

완전하지 않은 대화 80x40cm ❘ Oil on canvas ❘ 2026 ❘ 유혜리

조용한 축제 116.8x80.3cm ❘ Oil on canvas ❘ 2026 ❘ 유혜리

조용한 축제 37x45.5cm ❘ Oil on canvas ❘ 2025 ❘ 유혜리

무언(無言)의 세계에서 건져 올린 공존의 연대 - 유혜리

유혜리 작가는 인간의 삶과 관계에 대한 깊은 인문학적 성찰을 바탕으로, 동시대의 단절된 풍경을 은유적으로 시각화한다. 작가의 화면에 등장하는 비정형의 식물들과 단순화된 물고기들은 어지러운 세상을 매일 버텨내는 현대인들의 또 다른 초상이다. 소리를 내지 않는 물고기들의 세계는 역설적으로 인간 내면의 가장 깊숙한 감정과 밀도 높은 '침묵'을 대변한다. 작가는 원근법을 지워낸 평면적 구도 위에 대상들을 나란히 배치함으로써, 화면 안의 그 어느 것도 소외되거나 하찮아지지 않도록 평등한 시선을 부여한다. 삶의 형태에 우열이 없듯, 저마다의 리듬으로 자유롭게 뻗어 나가는 식물들은 소중한 인간 하나하나를 향한 작가의 애정 어린 시선이다. 화려한 색채와 귀여운 형태 이면에 숨겨진 미묘한 긴장감은, 불안을 품고도 매일을 묵묵히 살아내는 우리 모두의 삶을 단단하게 어루만진다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<The Forest of Luminous Silence> -Hara Kang, Hye-Ree Yoo
In an age where human worth is often measured by wealth and possession, we constantly find ourselves compared, categorized, and placed within invisible hierarchies. In a world driven by speed and efficiency, genuine communication and essential human values are easily lost, leaving many of us carrying quiet anxieties within our daily lives.

<The Forest of Luminous Silence>, exhibition by Hara Kang and Hye-Ree Yoo, offers a gentle consolation to those living through this imperfect reality. Within the deep and imaginative forests of their canvases, the two artists portray contemporary life through the silent language of imagery, inviting viewers on a journey toward inner reflection and rediscovery. While Yoo creates a “space of silence” through voiceless fish and symbolic gardens—exploring emotional connection and inner healing—Kang presents a “luminous awakening,” rekindling forgotten instincts and encouraging them to be shared outward into the world.

On a bright spring day, we hope this beautiful forest becomes a place of healing—a place where visitors may quietly dismantle the walls of disconnection surrounding them and warmly reflect upon their own inner selves.

An Adventure to Awaken the Forgotten Inner Light — Hara Kang

Through whimsical and fable-like narratives, Kang recalls the essential values and inner imagination that modern society has gradually forgotten. In her works, the deer’s antlers are not decorative objects meant for display, nor symbols of material value. Instead, they represent the unique abilities, memories, and wisdom that awaken only through deep thought and reflection.

Like contemporary individuals who conceal their true selves under social pressure and emotional numbness, the deer in Kang’s paintings embark on journeys into mysterious forests in search of their own forgotten light. Antlers blooming with flowers, bearing fruit, or becoming shelters for birds symbolize the many forms of life and individuality we long to reclaim.
The artist’s fairytale-like world becomes a quiet lantern in the darkness, encouraging viewers to rediscover the senses and emotions lost amid competition and relentless speed, while gently illuminating the inner self.

In the Wordless World, a Quiet Solidarity of Coexistence — Hye-Ree Yoo

Rooted in thoughtful reflections on human life and relationships, Hye-Ree Yoo visualizes the fragmented emotional landscape of contemporary society through metaphorical imagery. The irregular plants and simplified fish that appear throughout her paintings become portraits of modern individuals enduring the complexity and instability of everyday life.
Paradoxically, the silent world of fish evokes the deepest layers of human emotion and the dense stillness that often exists beneath words. By flattening perspective and arranging her subjects side by side without hierarchy, the artist creates a space where no presence is diminished or overlooked. Just as no life is inherently superior to another, the freely growing plants moving in their own rhythms reflect the artist’s affectionate gaze toward each individual human being.

Beneath the vibrant colors and playful forms lies a subtle tension-one that quietly embraces the emotional fragility, loneliness, and perseverance shared by people today. Yoo's paintings ultimately offer not only visual comfort, but also a contemplative space in which viewers may reflect upon relationships, coexistence, and the silent emotions that connect us all.

Gallery Harang ㅣ1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11:00 AM – 5:00 PM, Last admission: 4:30 PM
Closed on Monday, Free admission

Contact ㅣTel. +82-2-365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram@galleryharang

Artwork InquiriesㅣPlease DM us or contact us via email at galleryharang@gmail.com
Please apply through the Linktree link below https://linktr.ee/galleryharang

* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'오월의 선물' 2026. 5. 6.(Wed)- 5. 17.(Sun)

하랑갤러리 — Tue, 28 Apr 2026 19:33:25 +0900

전시명 ㅣ 오월의 선물

작가 ㅣ 김정민

전시 기간 ㅣ 2026.5.6.(Tue)- 5.17.(Sun)

소개 ㅣ 오랜 시간 우리 곁에 머물러온 것은 늘 너무 익숙해서 쉽게 의식되지 않는다. 그러나 어떤 것들은 그 익숙함 속에서 더욱 깊은 의미를 품는다. 세종대왕이 남긴 문자는 단순한 기록의 도구를 넘어, 시대를 건너 사람과 사람의 마음을 잇는 조용한 다리로 존재해왔다. 그 다정한 시작은 수백 년의 시간을 지나 오늘의 일상 속에서도 여전히 살아 숨 쉬고 있다.

김정민의 작업은 이 오래된 문자를 새로운 감각으로 다시 바라보는 데서 출발한다. 화면 위에 흩어진 형태들은 더 이상 읽히기 위한 기호에 머물지 않고, 서로를 향해 스며들며 하나의 유기적 형상을 이룬다. 분리되어 있던 요소들은 자연스럽게 결합하며, 어느 순간 꽃의 형상으로 피어난다. 그 안에는 언어가 지닌 따뜻한 결속과, 보이지 않지만 분명히 이어져 있는 관계의 흐름이 담겨 있다.

직선과 곡선이 만들어내는 리듬은 생명력을 획득하고, 구조는 감각으로 변모한다. 단단한 형태는 뿌리가 되고, 부드러운 선은 잎과 꽃잎으로 번져나가며, 화면은 하나의 살아 있는 풍경으로 확장된다. 이는 문자가 단순한 체계가 아니라, 우리의 삶을 지탱하고 감정을 머금는 근원적 기반임을 환기시킨다.

작품에 스며든 시간의 흔적은 단지 과거를 재현하는 데 그치지 않는다. 그것은 오랜 세월 동안 반복되고 축적된 삶의 결을 드러내며, 지금 이 순간에도 이어지고 있는 현재의 호흡을 품고 있다. 마치 계절의 순환 속에서 다시 피어나는 꽃처럼, 이 작업은 오래된 의미를 오늘의 감각으로 되살린다.

햇살이 가장 투명해지는 계절, 이 전시는 우리에게 조용히 다가온다. 말없이 건네는 인사처럼, 혹은 어느 날 문득 스며드는 바람처럼. 김정민이 펼쳐 보이는 이 ‘5월의 선물’은 우리가 이미 알고 있었지만 미처 들여다보지 못했던 따뜻한 언어의 온기를 다시금 감각하게 한다.

따뜻한 결속, 130x130cm, Acrylic on Hanji, 2026

108-LOVE, 130x130cm, Acrylic on Hanji, 2026

2025-선물, 한지에 나무 및 혼합재료, 110x110cm, 2025

작가노트 ㅣ 누구나 제 뜻을 담아 쉽게 쓰고 누리길 바라며 품었던 세종의 다정한 마음은, 580여 년의 세월을 지나 오늘 우리의 삶 속에 자연스럽게 자리하고 있다. 이번 작업은 그 애틋한 ‘애민(愛民)’의 진심을 한글의 조형미를 통해 다시 바라보고, 이를 차분한 시각 언어로 풀어낸 것이다. 글자를 단순한 기호가 아닌, 마음을 담는 그릇으로 생각하며 한글이 지닌 온기를 오월의 꽃의 모습으로 표현하고자 했다.

화면을 이루는 자음과 모음의 조각들은 서로를 보듬으며 하나의 꽃 형태를 만든다. 맞물린 획과 획 사이에는 사람과 사람, 삶과 삶을 이어주는 언어의 생명력이 담겨 있다. 곧은 선은 줄기가 되고, 곡선은 유연한 꽃잎이 되어 글자라는 기호는 이내 생동하는 자연의 미학으로 변모한다. 이는 한글이 단순한 문자에 그치지 않고 우리 존재를 지탱하는 깊은 뿌리이자 연결 고리임을 상징한다.

오래된 질감 위에 새겨진 글자들은 창제의 순간에 머무르지 않고, 오랜 시간 일상 속에서 함께 살아 움직여온 시간을 증명한다. 척박한 계절을 견디고 마침내 피어난 꽃처럼, 한글은 그렇게 우리의 삶 가까이에서 가장 낮고 따뜻한 목소리로 존재해 왔다. 오월의 맑은 빛 아래 만개한 이 ‘한글 꽃’이 먼 과거 어느 날 건네졌을 다정한 인사의 잔향처럼, 오늘의 우리에게도 선뜻 찾아든 자연 푸름같이, 오월의 선물로 마음에 잔잔히 닿기를 생각한다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월, 화요일 휴관, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<A Gift of May> - Solo Exhibition by Jung-Min Kim

What has long remained by our side often becomes so familiar that we scarcely notice it. Yet within that familiarity, certain things hold a deeper resonance. The script created by King Sejong the Great transcends its role as a mere tool of record, existing instead as a quiet bridge that carries the hearts of people across time. Its compassionate beginning has endured for centuries and continues to breathe within our everyday lives.

Kim Jung-Min’s work begins by revisiting this ancient script through a renewed sensibility. The forms scattered across the canvas no longer remain as symbols meant solely to be read; they gently permeate one another, forming an organic whole. Elements once separate come together naturally and, at a certain moment, bloom into the shape of a flower. Within this transformation lies the warmth of language’s connective power and the subtle yet undeniable flow of relationships that bind us.

The rhythm created by straight lines and curves gradually acquires vitality, as structure transforms into sensation. Firm forms take root, while softer lines extend into leaves and petals, expanding the canvas into a living landscape. In doing so, the work reminds us that script is not merely a system of signs, but a fundamental foundation that sustains our lives and carries our emotions.

The traces of time embedded in the work do not simply recreate the past. Rather, they reveal the layered textures of life accumulated over time, holding within them the breath of the present moment that continues to unfold. Like a flower that blooms again through the cycle of seasons, the work revives enduring meanings through a contemporary sensibility.
In the season when sunlight becomes most lucid, this exhibition approaches us quietly—like a wordless greeting, or a breeze that gently seeps in without notice. “A Gift of May,” as presented by Kim Jung-Min, allows us to once again sense the warmth of a language we have always known, yet have not fully paused to feel.

* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'Layered Vitality' 2026. 4. 21.(Tue)- 5. 3.(Sun)

하랑갤러리 — Mon, 13 Apr 2026 06:53:53 +0900

전시명 ㅣ Layered Vitality - 겹겹이 피어나다

작가 ㅣ 이은경

전시 기간 ㅣ 2026.4.21.(Tue)- 5.3.(Sun)

소개 ㅣ 광활한 자연 앞에서 인간의 감각은 때로 언어로는 닿지 않는 깊이에 머문다. 이은경의 작업은 바로 그 감각이 가장 밀도 높게 응축되는 지점에서 출발한다. 프랑스 유학 시절, 파리 근교 들판에서 마주한 강렬한 색채의 기억은 작가에게 단순한 풍경을 넘어선 경험으로 남았다. 그것은 빛과 공기, 바람과 온도가 뒤섞이며 전신으로 스며들던 ‘몰입의 순간’이었다.

이번 전시는 그러한 감각적 체험을 현대적 매체인 필라멘트를 통해 새롭게 번역한 결과물이다. 작가는 전통적인 붓질의 방식을 벗어나, 필라멘트를 한 겹씩 쌓아 올리고 엮어내는 ‘적층’과 ‘직조’의 과정을 통해 회화의 평면성을 넘어선다. 이 반복적이고 축적된 행위는 단순한 형식적 실험을 넘어, 생명의 두께와 시간의 결을 물리적 부피로 구현하려는 시도이기도 하다.

특히 작품 전반에 흐르는 ‘노란색’은 단일한 색채를 넘어, 자연의 다양한 층위를 품은 복합적인 감각으로 확장된다. 유채꽃의 생기, 흙의 온기, 노을의 잔광으로 분화된 노란색은 에메랄드빛 녹색과의 대비 속에서 더욱 깊은 울림을 만들어낸다. 이는 자연이 지닌 생명력과 순환의 리듬을 시각적으로 환기시키는 중요한 요소로 작용한다.

이은경의 화면에 펼쳐진 들판은 단순한 재현의 결과가 아니다. 그것은 바람의 결, 풀의 향, 빛의 온도를 고스란히 머금은 ‘경험의 직조’이며, 감각의 축적이 만들어낸 하나의 공간이다. 필라멘트가 이루는 입체적 구조는 빛과 공기를 머금으며, 관람자가 작품 앞에 서는 순간 실제 들판 한가운데에 놓인 듯한 감각적 몰입을 이끈다.

다시 나에게로 온 들판, 117x90cm, Mixed media, 2026

눈길이 머문 노란빛의 속삭임, 72x72cm, Mixed media, 2026

멈춰선 발걸음 아래, 73x60cm, Mixed media, 2026

깊게 스며든 노란 잔상 2, 40x50cm, Mixed media, 2026

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, Last Admission 4:30 pm, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<Layered Vitality> - Solo Exhibition by Eun-Kyung Lee

Before the vastness of nature, human perception often lingers in depths beyond the reach of language. Eun-Kyung Lee’s work begins precisely at that point—where sensation is most densely condensed. During her time studying in France, the vivid colors she encountered in the fields on the outskirts of Paris remained with her as an experience that transcended mere landscape. It was a moment of total immersion, where light, air, wind, and temperature intertwined and permeated her entire being.

This exhibition presents a reinterpretation of such sensory experiences through the contemporary medium of filament. Moving away from traditional brushwork, the artist builds and interweaves filament layer by layer, transcending the flatness of painting through processes of layering and weaving. This repetitive and accumulative act goes beyond formal experimentation, becoming an attempt to materialize the thickness of life and the texture of time as physical volume.

In particular, the color yellow, which flows throughout the works, expands beyond a singular hue into a complex sensory field that embodies multiple strata of nature. Differentiated into the vitality of rapeseed flowers, the warmth of soil, and the afterglow of sunset, yellow resonates more deeply through its contrast with emerald green. This interplay amplifies the breath of nature and visually evokes its vitality and cyclical rhythm.

The fields across Eun-Kyung Lee’s canvases are not mere representations. They are woven records of experience—imbued with the textures of wind, the scent of grass, and the warmth of light—forming a space shaped by the accumulation of sensation. The three-dimensional structure of filament absorbs light and air, inviting viewers into an immersive experience, as if standing in the midst of an actual field.

* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'생명의 노래' 2026. 4. 7.(Tue)- 4. 19.(Sun)

하랑갤러리 — Tue, 31 Mar 2026 11:13:55 +0900

전시명 ㅣ 생명의 노래 - From the Nature

작가 ㅣ 이영민 (리영)

전시 기간 ㅣ 2026.4.7.(Tue)- 4.19.(Sun)

소개 ㅣ 하얀 햇살이 수면 위에 내려앉는 순간, 물빛은 부서지며 윤슬로 번져나간다. 그 미세한 떨림은 단순한 풍경을 넘어, 보이지 않는 생명의 호흡을 드러낸다. 깊은 심연 속에 가라앉아 있던 존재들은 빛을 따라 서서히 떠오르고, 그 움직임은 다시 하나의 리듬이 되어 세계를 진동시킨다.

리영의 작업은 바로 이 ‘떠오름’의 순간에서 출발한다. 윤슬은 그에게 단순한 자연 현상이 아니라, 내면 깊은 곳에 잠재된 의욕과 감각을 일깨우는 생명의 단위이다. 허기진 창작의 순간마다, 빛과 물이 만들어내는 미세한 파동은 세포처럼 스며들어 작업을 다시 움직이게 하는 원동력이 된다.

이번 전시 《생명의 노래 – from the nature》는 자연이 들려주는 가장 근원적인 울림에 대한 응답이다. 화면 위에 펼쳐진 빛의 흔적과 흐름은 특정한 형상을 재현하기보다, 생명이 생성되고 확장되는 과정을 감각적으로 번역한다. 이는 자연을 바라보는 시선이자, 동시에 스스로를 탄생시키는 행위에 가깝다.

리영에게 자연은 대상이 아니라 끊임없이 교류하는 존재이며, 윤슬은 그 접점에서 발생하는 가장 섬세한 신호이다. 이 전시는 그 신호를 따라가며, 우리가 잊고 있던 생명의 리듬과 감각을 다시 호출한다. 빛과 물, 그리고 그 사이에서 태어나는 떨림 속에서 관람자는 자신만의 ‘생명의 노래’를 마주하게 될 것이다.

생명의 바다-윤슬, 150x150cm, Rice and Acrylic on canvas, 2025

익명의 도시, 62x77cm, Polytape and Acrylic on canvas, 2026

익명의 도시, 102x71.5cm, Acrylic on canvas, 2026

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, Last Admission 4:30 pm, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<Song of Life> - Solo Exhibition by Young-Min Lee

The moment white sunlight settles upon the surface of the water, it fractures into shimmering ripples. This delicate trembling transcends mere scenery, revealing the hidden breath of life. From the depths of the abyss, where existence has long been submerged, beings slowly rise toward the light, their movement forming a rhythm that gently resonates through the world.

Lee’s work begins precisely at this moment of emergence. For the artist, the shimmering ripples are not simply a natural phenomenon, but a vital unit of life that awakens latent desire and sensitivity within. In moments of creative hunger, the subtle waves created by light and water permeate like cells, becoming the driving force that sets the work in motion once again.

This exhibition, Song of Life – from the nature, is a response to the most fundamental resonance of nature. The traces of light and flowing forms that unfold across the surface do not aim to reproduce specific shapes; rather, they sensorially translate the process through which life is generated and expanded. It is both a way of seeing nature and an act of self-renewal.

For Lee, nature is not an object, but a presence in constant exchange. The shimmering ripples are the most delicate signals that arise at this point of contact. Following these signals, the exhibition calls forth the rhythms and sensations of life that we may have forgotten. Within the interplay of light and water—and the vibrations born between them—viewers are invited to encounter their own “song of life.”

* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'이토록 아름다운 가시' 2026. 3. 24.(Tue)- 4. 5.(Sun)

하랑갤러리 — Tue, 17 Mar 2026 11:45:54 +0900

전시명 ㅣ 이토록 아름다운 가시

작가 ㅣ 조희원

전시 기간 ㅣ 2026.3.24.(Tue)- 4.5.(Sun)

소개 ㅣ 광대한 우주 속에서 인간의 존재는 한 점의 먼지와도 같다. 그러나 그 미미해 보이는 존재 안에는 각기 다른 삶의 결, 시간, 그리고 감정의 깊이가 담겨 있다. 조희원의 작업은 바로 그 지점에서 출발한다. 작가는 우리가 살아가는 사회 속에서 당연하게 받아들여지는 수많은 기준들이 개인의 존재를 규정하고 서로를 비교하게 만드는 구조에 질문을 던진다. 그리고 그 질문을 통해 ‘한 사람의 삶이 지닌 고유한 가치’에 다시 시선을 돌린다.

조희원은 자연에서 발견되는 평범한 대상들을 통해 인간의 삶을 은유적으로 바라본다. 특히 이번 전시에서 등장하는 선인장은 척박한 환경 속에서도 스스로의 리듬으로 살아가는 존재이자, 사회 속에서 상처와 고독을 견디며 성장하는 우리의 모습이기도 하다. 자연물이 싹을 틔우고, 자라나고, 마침내 피어나는 과정은 인간이 삶의 계절을 지나며 자신만의 시간을 맞이하는 여정과 맞닿아 있다. 작가는 이러한 자연의 생을 확대하고 해체하며 그 안에 담긴 감정의 층위를 화면 위에 풀어낸다.

작업은 유화의 두터운 색채와 먹의 깊은 농담이 교차하며 만들어진다. 서로 다른 성질의 재료가 겹겹이 쌓이며 형성되는 화면은 하나의 삶이 시간과 경험 속에서 형성되는 과정을 연상시킨다. 색과 흔적이 축적된 화면 속에서 선인장은 때로는 단단하게 서 있고, 때로는 흐르듯 녹아들며 낯선 풍경을 이루어낸다. 그 풍경은 현실의 세계라기보다 내면 깊은 곳에서 피어나는 또 하나의 세계에 가깝다.

작가의 작업들은 우리 자신을 향해 질문을 던진다. 우리는 무엇과 비교하며 살아가고 있는가, 그리고 각자의 삶이 지닌 고유한 시간과 빛을 얼마나 바라보고 있는가. 작가는 자연의 작은 존재들을 통해, 누구도 대신할 수 없는 한 사람의 삶이 지닌 존엄과 가능성을 조용히 환기한다. 그 시선 속에서 관람자는 스스로의 존재를 다시 바라보게 되고, 각자의 삶이 지닌 고유한 세계를 발견하게 될 것이다.

노을빛 80.3x116.8 Oil on canvas 2025

가랑비 24.2x34.8cm Oil, Ink on canvas 2025

In the vastness of the universe, human existence may seem no more than a speck of dust. Yet within that seemingly small presence lies a unique texture of life—its own time, experiences, and emotional depth. The work of Hee Won Cho begins from this very point. The artist raises questions about the many standards that society takes for granted—standards that often define individuals and encourage constant comparison. Through this inquiry, the work invites us to reconsider the inherent value of each individual life.

Cho approaches human existence through ordinary elements found in nature. In this exhibition, the cactus appears as a central motif. Living in harsh environments yet sustaining itself in its own rhythm, the cactus becomes a reflection of ourselves—growing within society while enduring wounds, solitude, and resilience. Just as plants sprout, grow, and eventually bloom, human life unfolds through its own seasons, each person arriving at their moment in time. By enlarging and deconstructing these natural forms, the artist reveals layered emotions embedded within them.

The works are built through the interplay of rich oil paint and the deep tones of traditional ink. As materials with different qualities accumulate in layers, the surface of the canvas comes to resemble the way a life is shaped through time and experience. Within these layered fields of color and traces, the cactus sometimes stands firmly, while at other moments it appears to dissolve and flow, forming unfamiliar landscapes. These scenes evoke not so much the external world as an inner realm—one that quietly emerges from within.

Ultimately, her works pose a question to each of us: What are we comparing ourselves to as we move through life? And how often do we truly recognize the unique time and light within our own lives? Through small yet resilient forms from nature, the artist gently reminds us of the dignity and possibility inherent in every individual. In encountering these works, viewers may find themselves looking again at their own existence—and perhaps discovering the singular world that belongs only to them.

* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'Dear My Nature' 2026. 3. 10.(Tue)- 3. 22.(Sun)

하랑갤러리 — Tue, 3 Mar 2026 18:01:17 +0900

전시명 ㅣ Dear My Nature

작가 ㅣ 김경이

전시 기간 ㅣ 2026.3.10.(Tue)- 3.22.(Sun)

소개 ㅣ 김경이의 작업은 유년의 풍경에서 출발한다. 감나무 곁 장독대에 떨어지던 감의 소리, 개천의 미꾸라지와 다슬기, 발끝에 닿을 듯 낮게 내려앉던 하늘. 그러나 그 기억은 언제나 두려움과 함께였다. 물에 대한 공포, 살쾡이와 벌, 뱀과 가시에 대한 떨림은 자연을 향한 양가적 감정을 남겼다. 사랑과 두려움이 포개진 채로, 자연은 작가의 내면에 오래 머물러 있었다.

시간이 흐른 지금, 한때 사라지기를 바랐던 존재들이 되려 사라질 위기에 놓여 있다. 다큐멘터리 <파랑새 유리 무덤에 묻히다>가 보여준 새들의 죽음처럼, 인간의 환경은 수많은 생명을 위협한다. 김경이는 이 아이러니 앞에서 묻는다. 우리는 무엇을 미워했고, 무엇을 잊었는가. 그리고 무엇을 지켜야 하는가.

작가는 천을 아교와 물감에 적시고, 말리고, 다시 먹과 색으로 덧입히는 과정을 반복한다. 스미고 번지는 물성은 자연의 숨결처럼 화면 위에 자리한다. 찍고, 바르고, 적시며 건져 올린 풍경들은 재현이라기보다 기억과 다짐의 흔적에 가깝다.

이번 전시는 자연 생명에게 보내는 한 통의 편지다. “지켜 줄게요, 함께 살아요.”라는 고백은 감사와 미안함, 그리고 사랑의 언어로 확장된다. 작품 앞에 선 우리는 묻지 않을 수 없다. 좋아함과 싫어함을 넘어, 함께 살아간다는 것은 무엇인지. 이 전시가 각자의 마음속 자연을 다시 불러내는 작은 계기가 되기를 바란다.

화답 0126, 69x75cm, Mixed media, 2026

화답 0226, 50x34cm, Mixed media, 2026

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, Last Admission 4:30 pm, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<Dear My Nature> - Solo Exhibition by Kyung Yi Kim

Kyung Yi Kim’s work begins with the landscapes of childhood. The sound of persimmons falling beside the earthenware jars under the persimmon tree; loaches and freshwater snails in the stream; the sky settling so low it seemed to brush the tips of her toes. Yet these memories were always accompanied by fear. A terror of water, a trembling before wildcats, bees, snakes, and thorns—such sensations left her with an ambivalent feeling toward nature. Love and fear layered upon one another, and nature remained within the artist for a long time.

Now, as time has passed, the very beings she once wished would disappear are themselves on the brink of vanishing. Like the birds’ deaths portrayed in the documentary The Blue Bird Buried in a Glass Grave, the human environment threatens countless lives. Confronting this irony, Kim asks: What did we hate? What have we forgotten? And what must we protect?

The artist repeatedly soaks fabric in glue and pigment, dries it, and overlays it again with ink and color. The permeating and spreading materiality settles upon the surface like the breath of nature. The landscapes she presses, brushes, saturates, and lifts are less representations than traces of memory and resolve.

This exhibition is a letter addressed to living nature. “I will protect you; let us live together.” The confession expands into a language of gratitude, remorse, and love. Standing before the works, we cannot help but ask: beyond liking and disliking, what does it mean to live together? May this exhibition become a small occasion for each of us to call forth the nature that dwells within our own hearts.

Gallery Harang ㅣ1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11:00 AM – 5:00 PM, Last admission: 4:30 PM
Closed on Monday, Free admission

Contact ㅣTel. +82-2-365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram@galleryharang

Artwork InquiriesㅣPlease DM us or contact us via email at galleryharang@gmail.com
Please apply through the Linktree link below https://linktr.ee/galleryharang

'버리지 못한 마음들 : Still Life, Still Living' 2026. 2. 24.(Tue)- 3. 8.(Sun)

하랑갤러리 — Fri, 20 Feb 2026 10:28:14 +0900

전시명 ㅣ 버리지 못한 마음들 : Still Life, Still Living

작가 ㅣ 박나회

전시 기간 ㅣ 2026.2.24.(Tue)- 3.8.(Sun)

소개 ㅣ 우리는 종종 사물을 통해 지나간 관계를 기억한다. 박나회의 작업은 이러한 사물과 감정 사이의 미묘한 긴장에서 출발한다. 작가의 화면에 등장하는 오브제들은 일상적인 것처럼 보이지만, 단순한 재현에 머물지 않는다. 익숙한 대상들은 명확한 이야기를 제시하기보다, 보이지 않는 시간의 층위와 감정의 잔여를 암시하는 장치로 기능한다. 관람자는 이미지 속에서 무엇이 존재하는지를 확인하기보다, 무엇이 사라지고 남았는지를 감각하게 된다. 그 순간 화면은 존재와 부재 사이의 경계로 전환된다.

바니타스(Vanitas) 정물화가 삶의 덧없음을 상징적으로 드러냈다면, 박나회의 작업은 보다 사적인 차원에서 기억과 시간의 지속성을 탐색한다. 극적인 사건이나 서사를 전면에 내세우기보다, 남겨진 사물과 일상의 흔적을 통해 감정이 머무는 방식을 천천히 드러낸다. 이때 정물은 고정된 대상이 아니라, 관람자의 경험과 만나며 의미가 끊임없이 갱신되는 열린 구조가 된다.

특히 화면 속 프레임은 하나의 경계이자 장치로 작동한다. 내부와 외부, 과거와 현재, 개인적 기억과 보편적 경험이 그 안에서 교차하며 관람자는 자연스럽게 자신의 기억을 호출하게 된다. 작품은 특정한 해석을 요구하기보다, 각자의 시간 속에서 감정의 결을 발견하도록 여백을 남긴다.

이번 전시는 무엇을 잃었는지를 말하기보다, 부재 이후에도 여전히 남아 있는 것들에 주목한다. 조용히 놓인 사물들은 침묵 속에서도 강한 존재감을 발하며, 관람자는 그 사이에서 자신의 기억과 마주하게 된다. 박나회의 작업은 설명되지 않는 감정의 영역을 서두르지 않고 바라보며, 붙잡고 있는 것과 결국 놓아야 하는 것 사이의 미묘한 균형을 사유하게 한다.

미완의 분류_53x45cm, Meok and Mixed media on Linen, 2026

가려진 비가, 70x70cm, Meok and Mixed media on Linen, 2026

버려진 재단, 130x162cm, Meok and Mixed media on Linen, 2026

작가노트 ㅣ죽음 이후의 삶’이라는 말은 흔히 천국이나 지옥 같은 사후 세계의 풍경을 상상하게 한다. 그러나 내게 있어 죽음 이후의 삶이란 떠나간 이들의 것이 아닌, 남아있는 자들의 몫이다. 그것은 떠나간 이의 부재를 짊어진 채 계속되어야 하는 일상이자, 상실의 흔적을 소화해내는 과정이기 때문이다. (중략)

버리지 못하는 마음과 보내야 하는 시간 사이의 갈등은 프레임 안에서 정적이지만 격렬한 이미지들로 치환된다.그러나 사랑은 상실 앞에 침묵하지 않고 끝없이 항의한다. 살아남은 이들은 죽음의 표상들과 뒤섞인 채 이전과는 다른 삶을 살아가지만, 그 속에서도 삶의 의지는 계속된다.

지금 여기에 살아있음에서 기인하는 불안과 떠나간 존재에 대한 지독한 그리움을 동시에 담아낸다. 삶은 끝까지 다 설명할 수 없는 형언불가한 채로 남겠지만, 이 프레임들을 통해 그 불투명한 생의 궤적을 묵묵히 추적하고자 한다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, Last Admission 4:30 pm, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<Unabandoned Hearts : Still Life, Still Living> - Solo Exhibition by Nahwoe Park

We often remember past relationships through objects. Nahwoe Park’s work begins within this subtle tension between material things and emotional memory. The objects that appear in her compositions may seem ordinary, yet they move beyond simple representation. Rather than presenting clear narratives, familiar forms function as quiet vessels that suggest unseen layers of time and emotional residue. Viewers are invited not merely to observe what is present, but to sense what has disappeared and what continues to remain. In this moment, the image becomes a threshold between presence and absence.

While traditional vanitas still-life painting symbolically addressed the transience of life, Park’s practice explores the persistence of memory and time on a more intimate scale. Instead of foregrounding dramatic events or explicit storytelling, she reveals how emotions linger through remaining objects and everyday traces. Here, still life is not a fixed subject but an open structure whose meaning continually evolves through the viewer’s experience.

The pictorial frame functions as both boundary and device. Inside it, interior and exterior, past and present, personal memory and shared experience intersect, prompting viewers to recall their own narratives. Rather than directing a singular interpretation, the work leaves space for individual encounters and emotional resonance.

This exhibition does not attempt to define loss itself; instead, it reflects on what continues to exist after absence. Quietly arranged objects carry a powerful presence despite their stillness, inviting viewers to confront their own memories and sense of time. Nahwoe Park’s practice lingers within the unarticulated space of emotion, encouraging reflection on the delicate balance between what we hold onto and what we eventually must let go.

Gallery Harang ㅣ1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11:00 AM – 5:00 PM, Last admission: 4:30 PM
Closed on Monday, Free admission

Contact ㅣTel. +82-2-365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram@galleryharang

Artwork InquiriesㅣPlease DM us or contact us via email at galleryharang@gmail.com
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'밤의 정원' 2026. 2. 3.(Tue)- 2. 15.(Sun)

하랑갤러리 — Wed, 28 Jan 2026 11:52:50 +0900

전시명 ㅣ 밤의 정원

작가 ㅣ 권효선

전시 기간 ㅣ 2026.2.3.(Tue)- 2.15.(Sun)

소개 ㅣ 권효선의 회화는 깊은 어둠 속에서 시작된다. 이 어둠은 두려움이나 공허의 상징이라기보다, 몸이 더 이상 자신을 지탱하지 않고 바닥으로 모든 무게를 넘기는 순간과 가까운 감각이다. 의식의 긴장이 풀리고, 스스로를 규정하던 목소리가 잠잠해질 때 드러나는 그 상태는 작가의 화면 속에서 반복적으로 호출되며 하나의 정서적 배경이 된다. 이때의 밤은 수면 이전의 어둠이 아니라, 의식을 유지한 채 아무것도 쥐지 않는 시간이다.

이번 전시 <밤의 정원>에 등장하는 인물들은 특별한 사건을 겪지 않는다. 그들은 무엇을 성취하거나 증명하지 않으며, 극적인 서사의 중심에도 서지 않는다. 대신 서 있고, 앉고, 눕고, 바라보는 등 가장 단순한 움직임을 반복한다. 이러한 모습은 삶의 목표나 의미 이전에, 그럼에도 불구하고 계속 이어지는 일상의 흐름을 보여준다. 화면에 스며든 불안한 기운은 결핍의 신호가 아니라, 이전의 자신으로 완전히 돌아가지 않은 상태에서 발생하는 흔들림에 가깝다.

작품 속 색과 붓질은 이러한 상태를 가장 직접적으로 드러낸다. 서로 부딪히는 색의 대비, 화면 위를 가로지르는 과감한 터치는 균형이 태동하는 순간의 팽팽함을 머금는다. 구체적인 형상은 분명히 드러나지 않고, 이내 흐트러지며 추상에 가까워진다. 작가는 세밀한 재현보다 순간의 움직임과 우연성을 택하고, 그 결과 화면에는 시간의 흔적과 행위의 잔상이 고스란히 남는다.

<밤의 정원>은 감정을 폭발시키거나 명확한 해답을 제시하지 않는다. 대신 모호하고 불완전한 상태를 그대로 유지하며, 관람자가 그 경계에 잠시 머물도록 초대한다. 이 정원에서의 밤은 끝을 가정하지 않은 채 지속되는 시간이며, 흩어졌던 시선을 거두어들이고 자신을 회복의 궤도로 되돌리는 출발점에 가깝다. 작가는 그 미세한 고요를 포착하여, 저마다의 몸으로 멈춤의 지점에 서서 자신이 서있는 자리를 느끼게 한다.

정원을 꿈꾸는 여인, 162x112cm, Oil on canvas, 2025

Grounding, 130x97cm, Oil on canvas, 2025

핑크문, 130x97cm, Oil on canvas, 2025

작가노트 ㅣ 본인은 색 대비와 자유롭고 대담한 붓질, 추상과 구상의 경계를 흐리는 방식을 통해 섬세한 환상과 불안을 시각화한다. 작업의 모티브는 개인적인 요가 수행을 통해 체화된 감각을 기록한 일기에서 출발하며, 특히 수행의 마지막 단계인 사바아사나에서 경험되는 짙은 어둠은 작품 속에서 ‘밤’이라는 메타포로 전이되어 반복적으로 호출된다.

시체 자세라고도 불리는 사바아사나는 짙은 어둠 속에서 완전한 이완 상태가 되어 바닥에 전신을 맡기고, 자아의 작동을 잠시 중단시키는 체험으로 이끈다. 본인은 이를 단순한 심리적 위로가 아닌, 의미와 판단, 주체 이전에 ‘지탱됨’만 있는 상태로 보았다. 이는 상징적 죽음을 통과한 신체가 다시 삶 속으로 스며드는 구조적 재배치의 순간이다.

회화 속 인물들은 자아의 과잉이 제거된 주체로 목적 없는 반복 즉, ‘살아있음의 최소 단위’를 수행하는 존재들이다. 이 과정에서 안정된 일상 위로 불안과 환상이 교차한다. 그러나 이 불안은 실패도, 결핍도, 미완성도 아니다. 상징적 죽음 이후 옛 자아로 다시 봉합되지 않은 상태이며, 본인의 회화는 그러한 신체의 잔여가 색과 붓질로 회귀하는 순간을 포착한다.

<Night Garden> - Solo Exhibition by Hyosun Kwon

Exhibition Dates ㅣ Feb 3 (Tue) – Feb 15 (Sun), 2026

Introduction ㅣ Hyosun Kwon’s paintings begin in deep darkness. This darkness is not a symbol of fear or emptiness, but a sensation closer to the moment when the body stops holding itself up and releases all its weight to the ground. As tension in the mind loosens and the inner voice that defines the self grows quiet, this state repeatedly emerges in her paintings as an emotional backdrop. Here, night is not the darkness before sleep, but a time of remaining conscious while holding on to nothing.

The figures that appear in <Night Garden> do not experience remarkable events. They do not strive to achieve or prove anything, nor do they stand at the center of dramatic narratives. Instead, they repeat the simplest actions—standing, sitting, lying down, looking. These gestures reveal the steady flow of everyday life that continues even before meaning or purpose is assigned. The sense of unease that seeps into the surface is not a sign of lack or deficiency, but a subtle trembling that arises from not having fully returned to a former self.

Color and brushwork most directly convey this condition. Clashing contrasts and bold strokes that cut across the canvas carry the taut tension of a balance just beginning to form. Clear figures refuse to settle and soon loosen, drifting toward abstraction. Rather than precise depiction, the artist chooses movement and chance, allowing traces of time and action to remain visible on the surface.

<Night Garden> does not aim to provoke emotional release or offer clear answers. Instead, it sustains ambiguity and incompleteness, inviting viewers to pause at the threshold of uncertainty. The night of this garden is a time without an assumed ending—a starting point that gathers scattered attention and gently returns it to a path of recovery. By capturing this subtle stillness, the artist invites each viewer, through their own body, to stop for a moment and sense where they are standing.

Artist Statement ㅣ I visualize subtle states of fantasy and anxiety through strong color contrasts, free and bold brushstrokes, and a practice that blurs the boundary between abstraction and figuration. My work begins with diaries that record sensations embodied through my personal yoga practice. In particular, the deep darkness experienced during Savasana—the final stage of practice—reappears throughout her paintings as the recurring metaphor of “night.”

Often referred to as the corpse pose, Savasana leads the body into complete relaxation, resting fully on the ground in darkness while temporarily suspending the workings of the self. Rather than seeing this as a form of psychological comfort, I understand it as a state in which meaning, judgment, and subjectivity fall away, leaving only the condition of being supported. It is a moment of structural reconfiguration, in which the body passes through a symbolic death and gradually returns to life.

The figures in my paintings exist as subjects stripped of excess ego. They perform purposeless repetition—what I describe as the most minimal unit of being alive. Within this process, anxiety and fantasy intersect with the surface of everyday stability. Yet this anxiety does not signify failure, lack, or incompleteness. It is a state that has not been reassembled into the former self after symbolic death. I capture the moment when the remaining traces of the body return as color and brushstroke.

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