하랑갤러리

'생명의 노래' 2026. 4. 7.(Tue)- 4. 19.(Sun)

하랑갤러리 — Tue, 31 Mar 2026 11:13:55 +0900

전시명 ㅣ 생명의 노래 - From the Nature

작가 ㅣ 이영민 (리영)

전시 기간 ㅣ 2026.4.7.(Tue)- 4.19.(Sun)

소개 ㅣ 하얀 햇살이 수면 위에 내려앉는 순간, 물빛은 부서지며 윤슬로 번져나간다. 그 미세한 떨림은 단순한 풍경을 넘어, 보이지 않는 생명의 호흡을 드러낸다. 깊은 심연 속에 가라앉아 있던 존재들은 빛을 따라 서서히 떠오르고, 그 움직임은 다시 하나의 리듬이 되어 세계를 진동시킨다.

리영의 작업은 바로 이 ‘떠오름’의 순간에서 출발한다. 윤슬은 그에게 단순한 자연 현상이 아니라, 내면 깊은 곳에 잠재된 의욕과 감각을 일깨우는 생명의 단위이다. 허기진 창작의 순간마다, 빛과 물이 만들어내는 미세한 파동은 세포처럼 스며들어 작업을 다시 움직이게 하는 원동력이 된다.

이번 전시 《생명의 노래 – from the nature》는 자연이 들려주는 가장 근원적인 울림에 대한 응답이다. 화면 위에 펼쳐진 빛의 흔적과 흐름은 특정한 형상을 재현하기보다, 생명이 생성되고 확장되는 과정을 감각적으로 번역한다. 이는 자연을 바라보는 시선이자, 동시에 스스로를 탄생시키는 행위에 가깝다.

리영에게 자연은 대상이 아니라 끊임없이 교류하는 존재이며, 윤슬은 그 접점에서 발생하는 가장 섬세한 신호이다. 이 전시는 그 신호를 따라가며, 우리가 잊고 있던 생명의 리듬과 감각을 다시 호출한다. 빛과 물, 그리고 그 사이에서 태어나는 떨림 속에서 관람자는 자신만의 ‘생명의 노래’를 마주하게 될 것이다.

생명의 바다-윤슬, 150x150cm, Rice and Acrylic on canvas, 2025

익명의 도시, 62x77cm, Polytape and Acrylic on canvas, 2026

익명의 도시, 102x71.5cm, Acrylic on canvas, 2026

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, Last Admission 4:30 pm, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<Song of Life> - Solo Exhibition by Young-Min Lee

The moment white sunlight settles upon the surface of the water, it fractures into shimmering ripples. This delicate trembling transcends mere scenery, revealing the hidden breath of life. From the depths of the abyss, where existence has long been submerged, beings slowly rise toward the light, their movement forming a rhythm that gently resonates through the world.

Lee’s work begins precisely at this moment of emergence. For the artist, the shimmering ripples are not simply a natural phenomenon, but a vital unit of life that awakens latent desire and sensitivity within. In moments of creative hunger, the subtle waves created by light and water permeate like cells, becoming the driving force that sets the work in motion once again.

This exhibition, Song of Life – from the nature, is a response to the most fundamental resonance of nature. The traces of light and flowing forms that unfold across the surface do not aim to reproduce specific shapes; rather, they sensorially translate the process through which life is generated and expanded. It is both a way of seeing nature and an act of self-renewal.

For Lee, nature is not an object, but a presence in constant exchange. The shimmering ripples are the most delicate signals that arise at this point of contact. Following these signals, the exhibition calls forth the rhythms and sensations of life that we may have forgotten. Within the interplay of light and water—and the vibrations born between them—viewers are invited to encounter their own “song of life.”

'이토록 아름다운 가시' 2026. 3. 24.(Tue)- 4. 5.(Sun)

하랑갤러리 — Tue, 17 Mar 2026 11:45:54 +0900

전시명 ㅣ 이토록 아름다운 가시

작가 ㅣ 조희원

전시 기간 ㅣ 2026.3.24.(Tue)- 4.5.(Sun)

소개 ㅣ 광대한 우주 속에서 인간의 존재는 한 점의 먼지와도 같다. 그러나 그 미미해 보이는 존재 안에는 각기 다른 삶의 결, 시간, 그리고 감정의 깊이가 담겨 있다. 조희원의 작업은 바로 그 지점에서 출발한다. 작가는 우리가 살아가는 사회 속에서 당연하게 받아들여지는 수많은 기준들이 개인의 존재를 규정하고 서로를 비교하게 만드는 구조에 질문을 던진다. 그리고 그 질문을 통해 ‘한 사람의 삶이 지닌 고유한 가치’에 다시 시선을 돌린다.

조희원은 자연에서 발견되는 평범한 대상들을 통해 인간의 삶을 은유적으로 바라본다. 특히 이번 전시에서 등장하는 선인장은 척박한 환경 속에서도 스스로의 리듬으로 살아가는 존재이자, 사회 속에서 상처와 고독을 견디며 성장하는 우리의 모습이기도 하다. 자연물이 싹을 틔우고, 자라나고, 마침내 피어나는 과정은 인간이 삶의 계절을 지나며 자신만의 시간을 맞이하는 여정과 맞닿아 있다. 작가는 이러한 자연의 생을 확대하고 해체하며 그 안에 담긴 감정의 층위를 화면 위에 풀어낸다.

작업은 유화의 두터운 색채와 먹의 깊은 농담이 교차하며 만들어진다. 서로 다른 성질의 재료가 겹겹이 쌓이며 형성되는 화면은 하나의 삶이 시간과 경험 속에서 형성되는 과정을 연상시킨다. 색과 흔적이 축적된 화면 속에서 선인장은 때로는 단단하게 서 있고, 때로는 흐르듯 녹아들며 낯선 풍경을 이루어낸다. 그 풍경은 현실의 세계라기보다 내면 깊은 곳에서 피어나는 또 하나의 세계에 가깝다.

작가의 작업들은 우리 자신을 향해 질문을 던진다. 우리는 무엇과 비교하며 살아가고 있는가, 그리고 각자의 삶이 지닌 고유한 시간과 빛을 얼마나 바라보고 있는가. 작가는 자연의 작은 존재들을 통해, 누구도 대신할 수 없는 한 사람의 삶이 지닌 존엄과 가능성을 조용히 환기한다. 그 시선 속에서 관람자는 스스로의 존재를 다시 바라보게 되고, 각자의 삶이 지닌 고유한 세계를 발견하게 될 것이다.

노을빛 80.3x116.8 Oil on canvas 2025

가랑비 24.2x34.8cm Oil, Ink on canvas 2025

In the vastness of the universe, human existence may seem no more than a speck of dust. Yet within that seemingly small presence lies a unique texture of life—its own time, experiences, and emotional depth. The work of Hee Won Cho begins from this very point. The artist raises questions about the many standards that society takes for granted—standards that often define individuals and encourage constant comparison. Through this inquiry, the work invites us to reconsider the inherent value of each individual life.

Cho approaches human existence through ordinary elements found in nature. In this exhibition, the cactus appears as a central motif. Living in harsh environments yet sustaining itself in its own rhythm, the cactus becomes a reflection of ourselves—growing within society while enduring wounds, solitude, and resilience. Just as plants sprout, grow, and eventually bloom, human life unfolds through its own seasons, each person arriving at their moment in time. By enlarging and deconstructing these natural forms, the artist reveals layered emotions embedded within them.

The works are built through the interplay of rich oil paint and the deep tones of traditional ink. As materials with different qualities accumulate in layers, the surface of the canvas comes to resemble the way a life is shaped through time and experience. Within these layered fields of color and traces, the cactus sometimes stands firmly, while at other moments it appears to dissolve and flow, forming unfamiliar landscapes. These scenes evoke not so much the external world as an inner realm—one that quietly emerges from within.

Ultimately, her works pose a question to each of us: What are we comparing ourselves to as we move through life? And how often do we truly recognize the unique time and light within our own lives? Through small yet resilient forms from nature, the artist gently reminds us of the dignity and possibility inherent in every individual. In encountering these works, viewers may find themselves looking again at their own existence—and perhaps discovering the singular world that belongs only to them.

Gallery Harang ㅣ1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11:00 AM – 5:00 PM, Last admission: 4:30 PM
Closed on Monday, Free admission

Contact ㅣTel. +82-2-365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram@galleryharang

Artwork InquiriesㅣPlease DM us or contact us via email at galleryharang@gmail.com
Please apply through the Linktree link below https://linktr.ee/galleryharang

* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'Dear My Nature' 2026. 3. 10.(Tue)- 3. 22.(Sun)

하랑갤러리 — Tue, 3 Mar 2026 18:01:17 +0900

전시명 ㅣ Dear My Nature

작가 ㅣ 김경이

전시 기간 ㅣ 2026.3.10.(Tue)- 3.22.(Sun)

소개 ㅣ 김경이의 작업은 유년의 풍경에서 출발한다. 감나무 곁 장독대에 떨어지던 감의 소리, 개천의 미꾸라지와 다슬기, 발끝에 닿을 듯 낮게 내려앉던 하늘. 그러나 그 기억은 언제나 두려움과 함께였다. 물에 대한 공포, 살쾡이와 벌, 뱀과 가시에 대한 떨림은 자연을 향한 양가적 감정을 남겼다. 사랑과 두려움이 포개진 채로, 자연은 작가의 내면에 오래 머물러 있었다.

시간이 흐른 지금, 한때 사라지기를 바랐던 존재들이 되려 사라질 위기에 놓여 있다. 다큐멘터리 <파랑새 유리 무덤에 묻히다>가 보여준 새들의 죽음처럼, 인간의 환경은 수많은 생명을 위협한다. 김경이는 이 아이러니 앞에서 묻는다. 우리는 무엇을 미워했고, 무엇을 잊었는가. 그리고 무엇을 지켜야 하는가.

작가는 천을 아교와 물감에 적시고, 말리고, 다시 먹과 색으로 덧입히는 과정을 반복한다. 스미고 번지는 물성은 자연의 숨결처럼 화면 위에 자리한다. 찍고, 바르고, 적시며 건져 올린 풍경들은 재현이라기보다 기억과 다짐의 흔적에 가깝다.

이번 전시는 자연 생명에게 보내는 한 통의 편지다. “지켜 줄게요, 함께 살아요.”라는 고백은 감사와 미안함, 그리고 사랑의 언어로 확장된다. 작품 앞에 선 우리는 묻지 않을 수 없다. 좋아함과 싫어함을 넘어, 함께 살아간다는 것은 무엇인지. 이 전시가 각자의 마음속 자연을 다시 불러내는 작은 계기가 되기를 바란다.

화답 0126, 69x75cm, Mixed media, 2026

화답 0226, 50x34cm, Mixed media, 2026

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, Last Admission 4:30 pm, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<Dear My Nature> - Solo Exhibition by Kyung Yi Kim

Kyung Yi Kim’s work begins with the landscapes of childhood. The sound of persimmons falling beside the earthenware jars under the persimmon tree; loaches and freshwater snails in the stream; the sky settling so low it seemed to brush the tips of her toes. Yet these memories were always accompanied by fear. A terror of water, a trembling before wildcats, bees, snakes, and thorns—such sensations left her with an ambivalent feeling toward nature. Love and fear layered upon one another, and nature remained within the artist for a long time.

Now, as time has passed, the very beings she once wished would disappear are themselves on the brink of vanishing. Like the birds’ deaths portrayed in the documentary The Blue Bird Buried in a Glass Grave, the human environment threatens countless lives. Confronting this irony, Kim asks: What did we hate? What have we forgotten? And what must we protect?

The artist repeatedly soaks fabric in glue and pigment, dries it, and overlays it again with ink and color. The permeating and spreading materiality settles upon the surface like the breath of nature. The landscapes she presses, brushes, saturates, and lifts are less representations than traces of memory and resolve.

This exhibition is a letter addressed to living nature. “I will protect you; let us live together.” The confession expands into a language of gratitude, remorse, and love. Standing before the works, we cannot help but ask: beyond liking and disliking, what does it mean to live together? May this exhibition become a small occasion for each of us to call forth the nature that dwells within our own hearts.

Gallery Harang ㅣ1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11:00 AM – 5:00 PM, Last admission: 4:30 PM
Closed on Monday, Free admission

Contact ㅣTel. +82-2-365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram@galleryharang

Artwork InquiriesㅣPlease DM us or contact us via email at galleryharang@gmail.com
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* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'버리지 못한 마음들 : Still Life, Still Living' 2026. 2. 24.(Tue)- 3. 8.(Sun)

하랑갤러리 — Fri, 20 Feb 2026 10:28:14 +0900

전시명 ㅣ 버리지 못한 마음들 : Still Life, Still Living

작가 ㅣ 박나회

전시 기간 ㅣ 2026.2.24.(Tue)- 3.8.(Sun)

소개 ㅣ 우리는 종종 사물을 통해 지나간 관계를 기억한다. 박나회의 작업은 이러한 사물과 감정 사이의 미묘한 긴장에서 출발한다. 작가의 화면에 등장하는 오브제들은 일상적인 것처럼 보이지만, 단순한 재현에 머물지 않는다. 익숙한 대상들은 명확한 이야기를 제시하기보다, 보이지 않는 시간의 층위와 감정의 잔여를 암시하는 장치로 기능한다. 관람자는 이미지 속에서 무엇이 존재하는지를 확인하기보다, 무엇이 사라지고 남았는지를 감각하게 된다. 그 순간 화면은 존재와 부재 사이의 경계로 전환된다.

바니타스(Vanitas) 정물화가 삶의 덧없음을 상징적으로 드러냈다면, 박나회의 작업은 보다 사적인 차원에서 기억과 시간의 지속성을 탐색한다. 극적인 사건이나 서사를 전면에 내세우기보다, 남겨진 사물과 일상의 흔적을 통해 감정이 머무는 방식을 천천히 드러낸다. 이때 정물은 고정된 대상이 아니라, 관람자의 경험과 만나며 의미가 끊임없이 갱신되는 열린 구조가 된다.

특히 화면 속 프레임은 하나의 경계이자 장치로 작동한다. 내부와 외부, 과거와 현재, 개인적 기억과 보편적 경험이 그 안에서 교차하며 관람자는 자연스럽게 자신의 기억을 호출하게 된다. 작품은 특정한 해석을 요구하기보다, 각자의 시간 속에서 감정의 결을 발견하도록 여백을 남긴다.

이번 전시는 무엇을 잃었는지를 말하기보다, 부재 이후에도 여전히 남아 있는 것들에 주목한다. 조용히 놓인 사물들은 침묵 속에서도 강한 존재감을 발하며, 관람자는 그 사이에서 자신의 기억과 마주하게 된다. 박나회의 작업은 설명되지 않는 감정의 영역을 서두르지 않고 바라보며, 붙잡고 있는 것과 결국 놓아야 하는 것 사이의 미묘한 균형을 사유하게 한다.

미완의 분류_53x45cm, Meok and Mixed media on Linen, 2026

가려진 비가, 70x70cm, Meok and Mixed media on Linen, 2026

버려진 재단, 130x162cm, Meok and Mixed media on Linen, 2026

작가노트 ㅣ죽음 이후의 삶’이라는 말은 흔히 천국이나 지옥 같은 사후 세계의 풍경을 상상하게 한다. 그러나 내게 있어 죽음 이후의 삶이란 떠나간 이들의 것이 아닌, 남아있는 자들의 몫이다. 그것은 떠나간 이의 부재를 짊어진 채 계속되어야 하는 일상이자, 상실의 흔적을 소화해내는 과정이기 때문이다. (중략)

버리지 못하는 마음과 보내야 하는 시간 사이의 갈등은 프레임 안에서 정적이지만 격렬한 이미지들로 치환된다.그러나 사랑은 상실 앞에 침묵하지 않고 끝없이 항의한다. 살아남은 이들은 죽음의 표상들과 뒤섞인 채 이전과는 다른 삶을 살아가지만, 그 속에서도 삶의 의지는 계속된다.

지금 여기에 살아있음에서 기인하는 불안과 떠나간 존재에 대한 지독한 그리움을 동시에 담아낸다. 삶은 끝까지 다 설명할 수 없는 형언불가한 채로 남겠지만, 이 프레임들을 통해 그 불투명한 생의 궤적을 묵묵히 추적하고자 한다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, Last Admission 4:30 pm, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<Unabandoned Hearts : Still Life, Still Living> - Solo Exhibition by Nahwoe Park

We often remember past relationships through objects. Nahwoe Park’s work begins within this subtle tension between material things and emotional memory. The objects that appear in her compositions may seem ordinary, yet they move beyond simple representation. Rather than presenting clear narratives, familiar forms function as quiet vessels that suggest unseen layers of time and emotional residue. Viewers are invited not merely to observe what is present, but to sense what has disappeared and what continues to remain. In this moment, the image becomes a threshold between presence and absence.

While traditional vanitas still-life painting symbolically addressed the transience of life, Park’s practice explores the persistence of memory and time on a more intimate scale. Instead of foregrounding dramatic events or explicit storytelling, she reveals how emotions linger through remaining objects and everyday traces. Here, still life is not a fixed subject but an open structure whose meaning continually evolves through the viewer’s experience.

The pictorial frame functions as both boundary and device. Inside it, interior and exterior, past and present, personal memory and shared experience intersect, prompting viewers to recall their own narratives. Rather than directing a singular interpretation, the work leaves space for individual encounters and emotional resonance.

This exhibition does not attempt to define loss itself; instead, it reflects on what continues to exist after absence. Quietly arranged objects carry a powerful presence despite their stillness, inviting viewers to confront their own memories and sense of time. Nahwoe Park’s practice lingers within the unarticulated space of emotion, encouraging reflection on the delicate balance between what we hold onto and what we eventually must let go.

Gallery Harang ㅣ1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11:00 AM – 5:00 PM, Last admission: 4:30 PM
Closed on Monday, Free admission

Contact ㅣTel. +82-2-365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram@galleryharang

Artwork InquiriesㅣPlease DM us or contact us via email at galleryharang@gmail.com
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* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'밤의 정원' 2026. 2. 3.(Tue)- 2. 15.(Sun)

하랑갤러리 — Wed, 28 Jan 2026 11:52:50 +0900

전시명 ㅣ 밤의 정원

작가 ㅣ 권효선

전시 기간 ㅣ 2026.2.3.(Tue)- 2.15.(Sun)

소개 ㅣ 권효선의 회화는 깊은 어둠 속에서 시작된다. 이 어둠은 두려움이나 공허의 상징이라기보다, 몸이 더 이상 자신을 지탱하지 않고 바닥으로 모든 무게를 넘기는 순간과 가까운 감각이다. 의식의 긴장이 풀리고, 스스로를 규정하던 목소리가 잠잠해질 때 드러나는 그 상태는 작가의 화면 속에서 반복적으로 호출되며 하나의 정서적 배경이 된다. 이때의 밤은 수면 이전의 어둠이 아니라, 의식을 유지한 채 아무것도 쥐지 않는 시간이다.

이번 전시 <밤의 정원>에 등장하는 인물들은 특별한 사건을 겪지 않는다. 그들은 무엇을 성취하거나 증명하지 않으며, 극적인 서사의 중심에도 서지 않는다. 대신 서 있고, 앉고, 눕고, 바라보는 등 가장 단순한 움직임을 반복한다. 이러한 모습은 삶의 목표나 의미 이전에, 그럼에도 불구하고 계속 이어지는 일상의 흐름을 보여준다. 화면에 스며든 불안한 기운은 결핍의 신호가 아니라, 이전의 자신으로 완전히 돌아가지 않은 상태에서 발생하는 흔들림에 가깝다.

작품 속 색과 붓질은 이러한 상태를 가장 직접적으로 드러낸다. 서로 부딪히는 색의 대비, 화면 위를 가로지르는 과감한 터치는 균형이 태동하는 순간의 팽팽함을 머금는다. 구체적인 형상은 분명히 드러나지 않고, 이내 흐트러지며 추상에 가까워진다. 작가는 세밀한 재현보다 순간의 움직임과 우연성을 택하고, 그 결과 화면에는 시간의 흔적과 행위의 잔상이 고스란히 남는다.

<밤의 정원>은 감정을 폭발시키거나 명확한 해답을 제시하지 않는다. 대신 모호하고 불완전한 상태를 그대로 유지하며, 관람자가 그 경계에 잠시 머물도록 초대한다. 이 정원에서의 밤은 끝을 가정하지 않은 채 지속되는 시간이며, 흩어졌던 시선을 거두어들이고 자신을 회복의 궤도로 되돌리는 출발점에 가깝다. 작가는 그 미세한 고요를 포착하여, 저마다의 몸으로 멈춤의 지점에 서서 자신이 서있는 자리를 느끼게 한다.

정원을 꿈꾸는 여인, 162x112cm, Oil on canvas, 2025

Grounding, 130x97cm, Oil on canvas, 2025

핑크문, 130x97cm, Oil on canvas, 2025

작가노트 ㅣ 본인은 색 대비와 자유롭고 대담한 붓질, 추상과 구상의 경계를 흐리는 방식을 통해 섬세한 환상과 불안을 시각화한다. 작업의 모티브는 개인적인 요가 수행을 통해 체화된 감각을 기록한 일기에서 출발하며, 특히 수행의 마지막 단계인 사바아사나에서 경험되는 짙은 어둠은 작품 속에서 ‘밤’이라는 메타포로 전이되어 반복적으로 호출된다.

시체 자세라고도 불리는 사바아사나는 짙은 어둠 속에서 완전한 이완 상태가 되어 바닥에 전신을 맡기고, 자아의 작동을 잠시 중단시키는 체험으로 이끈다. 본인은 이를 단순한 심리적 위로가 아닌, 의미와 판단, 주체 이전에 ‘지탱됨’만 있는 상태로 보았다. 이는 상징적 죽음을 통과한 신체가 다시 삶 속으로 스며드는 구조적 재배치의 순간이다.

회화 속 인물들은 자아의 과잉이 제거된 주체로 목적 없는 반복 즉, ‘살아있음의 최소 단위’를 수행하는 존재들이다. 이 과정에서 안정된 일상 위로 불안과 환상이 교차한다. 그러나 이 불안은 실패도, 결핍도, 미완성도 아니다. 상징적 죽음 이후 옛 자아로 다시 봉합되지 않은 상태이며, 본인의 회화는 그러한 신체의 잔여가 색과 붓질로 회귀하는 순간을 포착한다.

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<Night Garden> - Solo Exhibition by Hyosun Kwon

Exhibition Dates ㅣ Feb 3 (Tue) – Feb 15 (Sun), 2026

Introduction ㅣ Hyosun Kwon’s paintings begin in deep darkness. This darkness is not a symbol of fear or emptiness, but a sensation closer to the moment when the body stops holding itself up and releases all its weight to the ground. As tension in the mind loosens and the inner voice that defines the self grows quiet, this state repeatedly emerges in her paintings as an emotional backdrop. Here, night is not the darkness before sleep, but a time of remaining conscious while holding on to nothing.

The figures that appear in <Night Garden> do not experience remarkable events. They do not strive to achieve or prove anything, nor do they stand at the center of dramatic narratives. Instead, they repeat the simplest actions—standing, sitting, lying down, looking. These gestures reveal the steady flow of everyday life that continues even before meaning or purpose is assigned. The sense of unease that seeps into the surface is not a sign of lack or deficiency, but a subtle trembling that arises from not having fully returned to a former self.

Color and brushwork most directly convey this condition. Clashing contrasts and bold strokes that cut across the canvas carry the taut tension of a balance just beginning to form. Clear figures refuse to settle and soon loosen, drifting toward abstraction. Rather than precise depiction, the artist chooses movement and chance, allowing traces of time and action to remain visible on the surface.

<Night Garden> does not aim to provoke emotional release or offer clear answers. Instead, it sustains ambiguity and incompleteness, inviting viewers to pause at the threshold of uncertainty. The night of this garden is a time without an assumed ending—a starting point that gathers scattered attention and gently returns it to a path of recovery. By capturing this subtle stillness, the artist invites each viewer, through their own body, to stop for a moment and sense where they are standing.

Artist Statement ㅣ I visualize subtle states of fantasy and anxiety through strong color contrasts, free and bold brushstrokes, and a practice that blurs the boundary between abstraction and figuration. My work begins with diaries that record sensations embodied through my personal yoga practice. In particular, the deep darkness experienced during Savasana—the final stage of practice—reappears throughout her paintings as the recurring metaphor of “night.”

Often referred to as the corpse pose, Savasana leads the body into complete relaxation, resting fully on the ground in darkness while temporarily suspending the workings of the self. Rather than seeing this as a form of psychological comfort, I understand it as a state in which meaning, judgment, and subjectivity fall away, leaving only the condition of being supported. It is a moment of structural reconfiguration, in which the body passes through a symbolic death and gradually returns to life.

The figures in my paintings exist as subjects stripped of excess ego. They perform purposeless repetition—what I describe as the most minimal unit of being alive. Within this process, anxiety and fantasy intersect with the surface of everyday stability. Yet this anxiety does not signify failure, lack, or incompleteness. It is a state that has not been reassembled into the former self after symbolic death. I capture the moment when the remaining traces of the body return as color and brushstroke.

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* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'모서리의 떨림' 2026. 1. 20.(Tue)- 2. 1.(Sun)

하랑갤러리 — Tue, 13 Jan 2026 13:01:05 +0900

전시명 ㅣ 모서리의 떨림

작가 ㅣ 영해

전시 기간 ㅣ 2026.1.20.(Tue)- 2.1.(Sun)

소개 ㅣ <모서리의 떨림> 은 일상의 극히 미세한 순간 속에서 불현듯 드러나는 정체성의 균열로부터 출발한다. 그것은 명확한 사건이나 서사로 포착되기보다는, 감각적으로만 인지되는 ‘구멍’ 혹은 ‘빈 공간’의 형태로 다가온다. 이 보이지 않는 공간은 언어로 규정되기를 거부한 채 점차 희미해지며, 인간이 원초적으로 품고 있었으나 이미 상실해버린 어떤 흔적으로 남는다. 이때의 정체성은 사회적 위치나 설명 가능한 개념이 아니라, ‘여기 있음’, ‘숨 쉬고 있음’이라는 존재의 최소 단위로 감각된다.

영해 작가는 이러한 감각을 구멍, 빈 곳, 얼룩, 유령과 같은 단서로 호명하며, 그것을 자신의 몸 안쪽, 즉 명확히 인식할 수 없는 영역에서 발생하는 떨림과 흔들림으로 인식한다. 이는 이성이나 언어가 닿지 못하는 차원에서 일어나는 신체적이자 존재론적인 반응이며, 캔버스는 그 진동이 남긴 흔적을 받아들이는 장소가 된다.

작가는 이 감각이 발생하는 지점을 ‘모서리’라 부른다. 모서리는 구멍과 닮은 내밀한 장소이자, 안과 밖, 채움과 비움, 인식과 비인식이 맞닿는 경계의 틈이다. 떨림은 바로 이 모서리에서 발생하며, 작가는 회화적 행위를 통해 그 순간을 포착하고자 한다. 어깨에서 손끝으로 이어지는 원초적인 신체의 움직임은 화면 위에 직접적인 자국으로 남고, 이는 상실된 무언가를 붙잡으려는 시도이자 존재의 안쪽을 더듬는 행위로 기능한다.

이번 전시는 명명되지 않은 빈 공간을 응시하게 하며, 우리가 애써 외면해온 정체성의 균열과 마주하도록 이끈다. 사라진 것을 복원하기보다는, 여전히 떨리고 있는 모서리 위에 잠시 머무르며 존재의 감각을 다시 호흡하게 하는 경험을 제안한다.

자국 No. 2, 45.5x38cm, Mixed media on canvas, 2025

긁기, 긁어서 뿌리치기, 80.5x80.5cm, Mixed media on canvas, 2025

짧게 탄 수레, 32x32cm, Mixed media on canvas, 2025

수레바퀴, 65x45.5cm, Mixed media on canvas, 2025

작가 노트
아주 작은 일상에서 불현듯 알아채게 되는 정체에 관한 충격적인 진실은, 눈에 보이지 않지만 감각적으로 느껴지는 '구멍', '빈 공간'을 마주하게 한다. 이 공간은 언어로 정의 되지 않고 점차 희미해지며, 사람이 원초적으로 품고 있었으나 잃어버린 무언가의 흔적으로 남는다. 이는 어떤 구성원으로서의 정체성으로부터 엇갈려 이성이나 단어로 설명 되지 않는 차원에서, '여기 있음', '숨 쉬는' 자체로 감각된다. 구멍, 빈 곳, 얼룩, 유령이라 불리는 이러한 단서는 알 수 없는 자신의 몸 일부-영혼이나 장기와 같은 스스로도 정확히 알 수 없는 안쪽-의 떨림과 흔들림으로 남는다.

나는 이 감각을 ‘모서리’라 부르는 공간 위로 불러와 긁기, 덮어내기, 찍기, 흘리기와 같은 회화적 행위로 포착하려 한다. 모서리는 구멍과 닮은 내밀한 장소이자 경계와 틈으로서 흔들림이 발생하는 곳이다. 이 공간에서의 몸짓은 잃어버린 무언가를 붙잡으려는 시도이며, 어깨에서부터 손 끝으로 이어지는 원초적 움직임은 화면 위에 자국으로 남는다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, Last Admission 4:30 pm, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다. https://linktr.ee/galleryharang

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

<The Tremor at the Edge> - Solo Exhibition by Young Hae

Exhibition Dates : Jan 20 (Tue) – Feb 1 (Sun), 2026

<The Tremor at the Edge> explores subtle fractures of identity that surface unexpectedly within the most imperceptible moments of everyday life. Rather than unfolding through explicit narratives or events, these fractures manifest as sensory absences—experienced as holes, voids, or gaps that evade linguistic definition. Gradually fading from articulation, these spaces persist as residual traces of something once innate yet irretrievably lost. Identity here is not positioned as a social construct or a fixed concept, but as a minimal condition of existence: the act of being present, of breathing.

Young Hae approaches these sensations through recurring motifs such as holes, stains, voids, and ghostly forms, interpreting them as tremors originating from within the body—an interior domain as elusive as the soul or internal organs, resistant to conscious perception. These responses arise on a corporeal and ontological level beyond the reach of rational thought or language. The canvas functions as a receptive field, registering the residual marks of these internal vibrations.

Young Hae identifies the point at which these sensations emerge as the “edge.” Neither fully inside nor outside, the edge is an intimate threshold where fullness and emptiness, perception and non-perception, converge. It is precisely at this liminal site that tremors occur. Through painterly gestures, Young Hae seeks to trace these ephemeral moments. Movements extending from shoulder to fingertip leave direct, unmediated imprints on the surface—gestures that operate both as attempts to grasp what has been lost and as tactile inquiries into the inner strata of existence. Rather than offering resolution or restoration, The Tremor at the Edge invites viewers to dwell within these unnamed voids and to confront the fractures of identity often left unacknowledged.

The exhibition proposes an experience of remaining, however briefly, at the still-vibrating edge—where the sensation of being may be re-encountered through quiet, embodied attention.

Artist Note
In the smallest moments of everyday life, I am sometimes confronted with a startling truth about identity. It appears not as something visible, but as sensations—“holes” or “empty spaces” that I feel rather than see. These spaces resist definition through language and gradually fade, remaining only as traces of something I once inherently possessed but have since lost. Removed from identity as a social role or a constructed position, this sensation exists beyond reason or words, felt simply as the state of being here, of breathing.

I sense these clues—holes, voids, stains, ghosts—as tremors and instabilities within an unknowable part of my body, an interior realm akin to the soul or internal organs, elusive even to myself. They do not present themselves as clear thoughts, but linger as subtle oscillations that resonate from within.

I bring these sensations onto what I call the “edge,” attempting to capture them through painterly actions such as scratching, covering, stamping, and letting material flow. The edge is an intimate, hole-like site—a boundary and a gap where instability emerges. The gestures I perform there are attempts to grasp what has been lost. Primitive movements extending from my shoulder to my fingertips leave direct traces on the surface, marking a quiet search for something unnamed yet persistently present.

* All Images ⓒThe artists, Courtesy of Gallery Harang, Seoul.

'Life and Rebirth of the Soul' 2025. 11. 25.(Tue)- 11. 30.(Sun)

하랑갤러리 — Thu, 20 Nov 2025 15:54:53 +0900

전시명 ㅣ Life and Rebirth of the Soul : 생명력의 영속성

작가 ㅣ 윤문영

전시 기간 ㅣ 2025.11.25.(Tue)- 11.30.(Sun)

소개ㅣ 작가 윤문영은 자신의 핵심 주제인 자연의 생명력(SOUL)을 동양화의 창작 원리인 ‘형사(形似)’와 ‘신사(神似)’에 접목시켜, 나무(木)라는 상징적 매개체를 통해 표현하고자 한다. 즉, 탄생‧소멸‧재생으로 이어지는 생명의 순환을 나무라는 형식과 내용 안에 담아, 작가의 심상과 이론을 시각적으로 풀어내고자 한 것이다.

작가는 눈에 보이는 자연물인 ‘나무’를 소재로 삼아, 우주의 모든 생명체가 탄생하고 사라지며 다시 태어난다는 추상적 사고(神似)를 바탕으로 작업을 전개한다. 이러한 생각은 작가만의 주관적 해체와 재해석, 즉 신사적 여과 과정을 거쳐 나무의 추상적 이미지로 재구성된다.

이번 전시에서는 나무의 형상을 두 가지 방식으로 표현했다. 첫 번째는 동양 미학의 ‘형사’에 기반한 시각적 재현으로, 수묵 기법을 사용해 사실적으로 묘사함으로써 ‘생명력의 탄생’이라는 개념을 전달한다.

두 번째는 ‘신사’의 방식으로, 소멸과 재생의 의미를 담는다. 한 번 소멸한 나무에서 다시 태어난 닥지를 얇게 겹쳐 릴리프(relief) 형태로 구성하여, 재생된 생명력과 작가만의 추상적 관념을 표현하고자 했다.

이번 전시는 재현(形似)과 추상(神似)을 결합한 방식으로 자연의 강한 생명력(SOUL)을 탐구한다. 나무라는 자연물을 통해 펼쳐지는 작가의 새로운 시도가 다양한 관람자들에게 깊은 내적 울림으로 전해지길 기대한다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월요일 휴관, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com
http://www.instagram.com/galleryharang

작품 리스트 문의 ㅣ링크트리에서 신청 바랍니다.
https://linktr.ee/galleryharang

Life and Rebirth of the Soul : 생명력의 영속성, 37.9x45.5cm, 지본수묵, 2025

Life and Rebirth of the Soul : 생명력의 영속성, 33.4x45.5cm, 닥지와 호분, 2025

'Silence' 2025. 11. 18.(Tue)- 11. 23.(Sun)

하랑갤러리 — Fri, 14 Nov 2025 11:59:12 +0900

전시명 ㅣSilence

작가 ㅣ 손수경

전시 기간 ㅣ 2025.11.18.(Tue)- 11.23.(Sun)

소개ㅣ깊은 어둠을 품은 표면 위에 천천히 번져가는 빛. 손수경 작가의 옻칠 작업은 그 고요한 흐름을 기록하는 일종의 ‘침묵의 시간’이다. 수십 번의 칠과 말림을 반복하며 쌓인 층들은 눈에 보이지 않을 만큼 미세하지만, 시간이 겹겹이 응축된 깊이를 만들어낸다.

작가는 번쩍이는 광택이나 빠른 효과를 좇지 않는다. 대신 옻이 스스로 굳고, 스며들고, 다시 숨을 고르는 자연스러운 호흡을 그대로 받아들인다. 그렇게 완성된 표면은 빛을 직접적으로 반사하지 않고, 마치 안쪽에서 잔잔히 우러나듯 은은한 명도를 띤다. 이는 단순한 색의 표현을 넘어서, 작가가 마주한 내면의 정적과 묵묵한 집중의 흔적을 드러낸다.

‘Silence’는 바로 그 정적에 대한 탐구이다. 고요는 비어 있지 않다. 옻칠이 마르는 동안의 긴 기다림, 반복되는 손의 리듬, 표면에 스며든 시간의 밀도 모두가 이 침묵을 채운다. 관람자는 작업 속에 숨겨진 이러한 호흡을 따라가며, 시각적 소음이 사라진 자리에서 스스로의 감각에 귀를 기울이게 된다. 빛의 속삭임, 표면의 떨림, 반복의 힘. 이번 전시는 그 조용한 울림을 마주하는 자리이자, 우리 안의 미세한 감정들이 다시 깨어나는 순간을 제공한다.

빛을 즐기다, 27x35cm, 옻칠, 난각 외 혼합재료, 2023

어우러짐, 27x35cm, 옻칠, 난각 외 혼합재료, 2023

무제, 35x45cm, 옻칠, 난각 외 혼합재료, 2023

작가노트
난각 한 조각 한 조각이 달항아리와 질그릇을 이뤄갈 때
나의 기쁨도 고요도 소망도 핀셋끝 매달린 난각 한조각의 떨림으로 녹아 들어간다.
더 이상 무엇을 증명하지 않아도 내면의 충만함이 중요한 삶.. 또한 하나씩 내려놓기 시작했을때 나 자신이 조금 더 괜찮은 사람처럼 느껴졌고, 더 가치 있는 존재가 된 것만 같았다.

Curatorial Statement

On a surface that holds a quiet darkness, light slowly spreads. The lacquer works of artist Shon, Soo-Kyung record this gentle movement—an accumulation of moments that form a kind of silent time. Through countless cycles of coating and drying, each layer builds upon the last, creating a depth so subtle it is almost imperceptible, yet dense with time.

The artist does not pursue dazzling sheen or instant effects. Instead, she accepts the natural rhythm in which lacquer hardens, seeps in, and pauses to breathe again. The resulting surface does not reflect light sharply; rather, it emits a soft luminosity as though it rises from within. This is not merely an expression of color but a manifestation of the artist’s inner stillness and the quiet concentration embedded in the work.

Silence is an exploration of that stillness. Silence is not empty. It is filled with the long waiting as lacquer dries, the steady rhythm of repeated gestures, and the density of time absorbed into the surface. As viewers trace these breaths and intervals, they find themselves listening more closely, freed from the noise of the visual world.

Shon, Soo-Kyung’s work speaks without words—through the whisper of light, the subtle tremor of the surface, and the power of repetition. This exhibition offers a space to encounter that quiet resonance and to awaken the delicate emotions that lie within us.

Artist Note

As each fragment of eggshell comes together to form a moon jar or an earthenware vessel,
my joy, my stillness, and my hopes dissolve into the subtle tremor held at the tip of my tweezers.
A life where inner fullness matters more than proving anything—and as I began to set things down, one by one,
I started to feel like a slightly better version of myself, as if I had become someone a little more worthy.

Address ㅣ 1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11 am- 5 pm (Monday closed, Free Admission)

Enquiry ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, http://www.instagram.com/galleryharang

'달빛, 보이지 않지만 빛나고 있어' 2025. 11. 5.(Wed)- 11. 16.(Sun)

하랑갤러리 — Mon, 27 Oct 2025 11:36:57 +0900

전시명 ㅣ달빛, 보이지 않지만 빛나고 있어

작가 ㅣ 신란숙

전시 기간 ㅣ 2025.11.5.(Wed)- 11.16.(Sun)

소개ㅣ신란숙 작가의 작품은 빛이 겹겹이 쌓여 만들어낸 시간의 결이다. 수차례 덧입힌 옻칠이 번지며, 표면은 한없이 부드럽고 깊은 울림을 품는다. 그 빛은 강렬한 태양빛이 아니라, 어둠 속에 은은히 스며드는 달빛이다.

달빛은 모든 경계를 흐리게 만든다. 밝음과 어둠, 실재와 기억이 서로에게 스며들며 조용한 융합의 세계를 펼친다. 작가는 그 여백 속에서 빛과 마음이 맞닿는 지점을 포착한다. 화면에 드러나지 않은 감정의 결, 말로 설명되지 않는 내면의 흔적이 조용히 번진다.

작가에게 달항아리는 달빛이다. 완벽하지 않은 균형, 미묘한 비대칭은 오히려 인간적인 온기를 품는다. 가까이 다가서면 미세한 흔적과 균열이 마치 피부처럼 살아 숨 쉬며, 시간과 기억의 감각을 불러낸다.

신란숙의 회화는 그렇게 시각을 넘어 감각을 깨운다. 빛과 소리, 정서가 서로 스며들어 마치 눈으로 듣고 귀로 보는 듯한 경험을 이끈다. 그가 그려낸 세계는 달빛처럼 고요하고, 은은하며, 마음 깊은 곳을 천천히 적신다.

꽃숨, 66x86cm, 옻칠, 나전, 난각, 2024

Cosmos, 73x91cm, 옻칠, 나전, 2024

New Moon, 66x86cm, 옻칠, 나전, 은분, 2024

작가노트

보이지 않아도, 세상에는 여전히 빛이 있다.
그 빛은 조용히 마음의 결을 어루만지고
내면의 온기를 드러낸다.
달항아리의 곡선 속에서 나는
그 보이지 않는 빛의 숨결을 찾았다.
겹겹이 쌓인 옻의 시간과 기다림 속에서
빛은 더 깊어지고, 스스로를 잃지 않는다.
이번 전시는 보이지 않는 것들의 아름다움,
그리고 마음속에서 은은히 피어나는 빛에 대한 이야기이다. 그 달빛이 당신의 마음에도 고요히 머물길 바란다.

Curatorial Statement

Shin Ransook’s paintings are the grain of time, woven through layers of light.

Repeated coats of lacquer spread and merge, rendering the surface endlessly soft and resonant. Her light is not the fierce radiance of the sun, but the gentle glow of moonlight seeping into darkness.

Moonlight blurs all boundaries. Light and shadow, reality and memory gently dissolve into one another, unfolding a world of quiet convergence.
Within that stillness, Shin captures the moment where light and emotion meet. Unspoken traces of feeling, subtle rhythms of the inner self, quietly permeate the surface.

For the artist, the moon jar embodies the very essence of moonlight.
Its imperfect balance and delicate asymmetry hold a tender sense of humanity.
Up close, faint cracks and traces seem to breathe like skin, awakening the senses of time and memory.

Shin Ransook’s paintings transcend the visual. Light, sound, and emotion flow together, evoking an experience as if one could see with the ears and listen with the eyes.
The world she unveils is tranquil, luminous, and slowly seeps into the deepest parts of the heart-like moonlight itself.

Artist Note

Even when unseen, light remains.
It quietly touches the texture of the heart
and reveals the warmth of being.
Within the curve of the moon jar,
I seek the breath of invisible light.
Through layers of lacquer and time,
the light deepens—never lost, only more profound.
This exhibition reflects the beauty of what cannot be seen, and the quiet radiance that lives within us.
May the moonlight gently rest upon your heart.

Address ㅣ 1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11 am- 5 pm (Monday closed, Free Admission)

Enquiry ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, http://www.instagram.com/galleryharang

'Hidden Faces' 2025.10.21.(Fri)- 11.2.(Sun)

하랑갤러리 — Sat, 18 Oct 2025 08:35:44 +0900

전시명 ㅣ Hidden Faces - 그들의 눈 속에서 나를 보다

작가 ㅣ 김경원

전시 기간 ㅣ 2025.10.21.(Tue)- 11.2.(Sun)

소개ㅣ‘Hidden Faces’ 는 김경원 작가의 감정의 이면과 인간의 내면을 탐색하는 시선에서 출발한다. 우리는 사회 속에서 수없이 많은 표정을 지으며 살아간다. 그러나 그 표정들은 종종 감춰진 감정의 그림자, 혹은 자신을 보호하기 위한 가면이 되기도 한다. 작가는 이러한 이중적인 얼굴들을 마주하며 ‘타인의 눈 속에서 나를 보는 경험’을 회화로 풀어낸다.

작품 속에 반복적으로 등장하는 기린은 작가 자신의 자화상과 같다. 예민하고 섬세한 감각으로 세상을 바라보지만, 동시에 불안과 긴장 속에서 살아가는 존재다. 눈을 감은 기린의 모습은 불면에서 벗어난 평안함, 경계 없는 안정의 순간을 상징한다. 반면, 표범이나 치타 같은 육식동물들은 내면 깊숙이 잠재된 야성적 본능과 생의 에너지를 드러낸다.

김경원 작가는 강렬한 색감과 다양한 혼합 매체를 통해 동물의 표정과 포즈 안에 인간의 감정을 투영한다. 그 속에는 분노와 슬픔, 고요와 평온, 긴장과 해방이 교차한다. 작가에게 동물을 그린다는 것은 단순한 재현이 아니라, 감정을 회복하고 자신을 마주하는 행위이기도 하다.

이번 전시는 감정을 억누르고 살아가는 현대인들에게 내면의 얼굴을 비추는 거울이 된다. 작품 속 동물의 눈빛을 통해 자신의 감정을 발견하고, 잊고 있던 감정의 온도를 다시 느끼길 바란다.

Fresh, 60x73cm, Mixed media on canvas, 2025

푸른 표범, 24x30cm, Mixed media on panel, 2025

밤공기, 60x45cm, Mixed media on panel, 2025

작가노트
이번 개인전 ‘Hidden Faces – 그들의 눈 속에 나를 보다’ 는 감춰진 얼굴과 내면의 감정을 마주하는 시선에서 출발했다. 우리는 사회 속에서 익숙하게 만들어진 표정으로 살아가며, 진짜 감정을 잊고 지낼 때가 많다.

내 작업에 자주 등장하는 기린은 나의 자화상과도 같다. 예민하고 긴장된 존재이지만, 작품 속에서 눈을 감은 기린은 비로소 안정과 평화를 느낀다. 그에 반해 표범이나 치타는 내 안의 야성적이고 강인한 면모를 상징한다. 이 동물들은 감정의 양면성과 인간 내면의 복합성을 드러낸다.

나는 동물을 그릴 때 자유롭고 해방감을 느낀다. 강렬한 색과 다양한 재료로 동물 속에 숨겨진 인간의 자화상을 표현한다. 이 전시를 통해 관객들 또한 잊고 있던 감정의 다양성과 표정의 생동감을 다시 느껴보길 바란다.

Title ㅣHidden Faces- Seeing Myself Through Their Eyes

Artist ㅣKim, Kyung-Won

Exhibition Period ㅣ 2025.10.21.(Tue)- 11.2.(Sun)

Curatorial Statement
'Hidden Faces' originates from Kyungwon Kim’s exploration of emotion and the human psyche. In our daily lives, we wear countless expressions to adapt and belong. Yet behind them lie concealed emotions and protective masks. Through painting, Kim visualizes the experience of seeing oneself reflected in the eyes of others.

The recurring image of the giraffe serves as the artist’s self-portrait—sensitive, perceptive, yet living within quiet tension. With its eyes closed, the giraffe embodies serenity and release, a moment of rest beyond wakefulness. In contrast, leopards and cheetahs symbolize the instinctive, untamed energy that resides deep within.

Using vibrant colors and diverse mixed media, Kim projects human emotions onto animal forms. Within her works coexist anger and sorrow, stillness and calm, tension and liberation. For the artist, painting animals is not an act of depiction, but one of emotional restoration and introspection.

This exhibition invites viewers to confront their own hidden emotions. Through the gaze of the animals, one may rediscover the subtle warmth and vitality of feelings long forgotten.

Address ㅣ 1F, 45, Jahamun-ro 38-gil, Jongno-gu, Seoul

Opening Hours ㅣ 11 am- 5 pm (Monday closed, Free Admission)

Enquiry ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, http://www.instagram.com/galleryharang